Anticorps, Antoine D’Agata

Image

 Anoche tuve el honor de asistir a la inauguración de la última exposición de D’Agata (Magnum Photos), donde reúne los últimos veinte años de su vida; exposición que cierra un ciclo de vida del fotógrafo que marcó el mundo fotográfico desde su primera exposición hace ya diez años, en la galería Vu.

 Antoine comenzó a fotografiar tardíamente, a los treinta años, aunque llevaba ya tras de sí un bagaje de más de diez años de viajes y herrancias, de experiencias y de búsqueda.

 La muerte de un buen amigo lo empujó a tomar la cámara como testimonio de sus propias vivencias personales y desde entonces nos ha ofrecido su visión del mundo, de la forma más íntima y sincera que un fotógrafo puede ofrecer.

 La exposición cuenta con imágenes tomadas desde 1990 hasta 2012. Cabe destacar el ingenuo montaje ideado expresamente para la sala de exposiciones de Le Bal, un lugar dedicado a la imagen documental del que ya he hablado en otros artículos, y cuyo defecto es que se queda corto en espacio, teniendo en cuenta que la mayoría de las exposiciones que muestran son grandes autores o retrospectivas.

 Los muros se cubren de suelo a techo con composit de imágenes en formato cartel papel, donde se superponen imágenes enmarcadas en madera negra. Los formatos varían desde formatos pequeños hasta formatos gigantes. Un caos bien estructurado con la coherencia perfecta de un autor cuya vida y obra son indivisibles.

A la ocasión de este evento se pone a la venta su última publicación : Anticorps (Editions Xavier Barral,
70 €), que reúne toda su obra, por lo tanto es una completa autobiografía, con dos mil cuatrocientas imágenes. Cien ejemplares en edición limitada incluyen una fotografía 18x24cm firmada y numerada por el autor (480€)

 « Quería realizar el último libro » Antoine D’Agata.

 ¿Habrá llegado Antoine a un punto máximo en su relación con el medio fotográfico ? ¿Nos sorprenderá con nuevas imágenes o se decantará definitivamente por el video ?

 En torno a esta exposición se han planificado debates, conferencias, lecturas con el fin de clarificar la densa obra, influida y nutrida de vastas referencias literarias, filosóficas y estéticas, y de invitados especiales que contarán sus encuentros con el autor.

 El próximo sábado 26 de enero está programada la firma de libros a las 12h30 en la librería de Le Bal.

Exposición Anticorps hasta el 14 de abril de 2013.

A los amantes del libro de fotografía y del trabajo de D’Agata, sólo por información, la anterior publicación de Antoine, ICE, está ya agotada…

Image

Image

Image

Image

Image

Image

Image

Image

Image

Image

Image

Fragmentos de sociedad . Visiones de Paul Graham

Finalmente llegó. La retrospectiva tan esperada que ya ha pasado por la Whitechapel Gallery de Londres y el Museo Folkwang en Essen, debería haber sido expuesta en el Centro George Pompidou de París;  por motivos “técnicos o financieros” acaba expuesta en Le Bal, centro  expositivo dedicado íntegramente a la imagen documental.

Paul Graham se inscribe en la tradición británica del documentalismo social (Bill Brandt, Chris Killip, Graham Smith) provocando cierta polémica por su utilización del color.

Autodidacta, P.Graham asume su inspiración e influencias en los pioneros americanos del color Eggleston, Stephen Shore y Joel Meyerowitz.

“Una fotografía que tiene por finalidad capturar la esencia de un momento, de un personaje o de una situación a menudo fracasa mientras que una fotografía que no vale más que un recuerdo puede, de forma extraña, conseguirlo. Aceptar este hecho con lucidez y sin prejuicios permite llegar mas lejos, porque nada se establece por si mismo con la técnica, los principios fotográficos o incluso la sinceridad de la intención del fotógrafo”.

Debido a una evidente falta de espacio en Le Bal, la retrospectiva ha sido reducida en esta exposición a la muestra de dos de sus series, Beyond Caring y The Present.

Beyond Caring muestra una nueva forma de comentario crítico, a mediados de los años ochenta, e innova con el uso del color en este tipo de fotografía crítica.

Durante dos años, Paul Graham visita con regularidad las oficinas de desempleo por todo el país,  que resumen con claridad la urgente falta de renovación del sistema económico nacional de Gran Bretaña de esta época.

Pasillos lúgubres, ciudadanos desesperados y ausentes, paredes de colores agobiantes, y la espera…Me pregunto que visión tendría Graham sobre la situación española actual, porque oficinas de desempleo desbordadas no nos sobran precisamente…

En la segunda serie expuesta, The Present, Graham nos muestra la vida en las calles de Nueva York, como homenaje a la clásica Streetphotography (Harry Callahan, Lee Friedlander, Helen Levitt).

Un ir y venir continuo de personajes, señales, luces y reflejos, se cruzan y conviven creando una sensación de “soledad en la multitud”. Una luz  reconocible del sol de Nueva York y el reflejo de éste en los edificios, dejando a los personajes aislados en un claroscuro teatral, unido a un efecto borroso característico de Graham; por momentos no sabes si es real o un decorado de teatro.

Si Cartier-Bresson defendía con su vida su archiconocido “instante decisivo”, Paul Graham lo descompone, ofreciendo una secuencia entera de un “instante decisivo”. Por fin alguien se atreve.

Algo menos práctico es plasmar esta descomposición en sus libros. Tanto despliegue de páginas en trípticos y dobles trípticos terminan por estropear las hojas. Buenas fotos, buena concepción de maqueta, pésimo resultado para el visionado del libro. De ahí la problemática de contar la misma historia en exposición y mantener la misma fidelidad narrativa en un libro.

Paul Graham, Exposición

Le Bal, París

Hasta el 9 de diciembre 2012

7 Rooms, Rafal Milach

Recientemente descubrí en Berlín un lugar lleno de encanto (como la misma ciudad de Berlín) dedicado a la fotografía y Artes visuales en general : C/O Berlín. El lugar fue construido en 1880 y fue utilizado como oficina de correos (no puedo dejar de pensar que en mi tierra natal, Murcia, tenemos el mismo edificio abandonado esperando ser resucitado, pero a pesar de que en la última entrega internacional de arte contemporáneo, Manifesta, se reutilizó con fines artísticos, finalmente las autoridades y lobbies varios, al estilo garruleo mafioso político murciano, han decidido hacer de este maravilloso edificio histórico… un genial ¡¡¡CASINO!!!).

Entre las exposiciones actuales pude (volver) a ver la eterna Tulsa de Larry Clark, y sus fotos de siempre…como nuestro querido  Alberto García Alix, vive de lo mismo desde los años sesenta, y lo peor es que después de su grandioso Tulsa, en el que él formaba parte de esa vida adolescente fuera de control, primeras experiencias sexuales y contacto con las drogas, desde un punto de vista interno, teniendo la misma edad, intenta aplicar la misma fórmula cuarenta años después, versión color y 2×3 metros…no, Larry, no cuela.

En el primer piso de este Correos artístico y después de decepcionarme con Larry Clark,  me llama la atención positivamente  la exposición de Rafal Milach, 7 rooms.

Rafal M, fotógrafo documental, nacido en Polonia y graduado en la ITF en Opava(República Checa), nos narra la visión de siete jóvenes rusos sobre su propio país, su entorno y sus deseos, en tres ciudades : Moscú, Yekaterinburg y Krasnoyarsk.

Un trabajo realizado durante seis años de viajes y estancias regulares  en las que nos presenta un conjunto de retratos  íntimos de estos jóvenes en los treinta, atrapados entre un duro pasado y un ansia de libertad, viajes y experiencias (que no pueden permitirse), acorde con la mentalidad rusa actual.

7 Rooms, exposición hasta el  22 de Julio 2012 en C/O Berlín.

Libro disponible en la web de Rafal Milach.

El “grito silencioso” de Luca Pagliari

Hikikomori : definido por el Ministerio de Salud, Trabajo y Bienestar japonés como el “ hecho de negarse un individuo a salir físicamente de la casa de sus padres y, por consiguiente, su alejamiento de la sociedad a través de un encierro voluntario por un periodo superior a seis meses “.

Miles de jóvenes japoneses entre 14 y 35 años sufren de este síndrome de aislamiento extremo, provocado por el peso de una sociedad en la que lo políticamente correcto es no mostrar sus emociones y aparentar buena “fachada” ; una sociedad muy competitiva desde la selección para entrar al parvulario hasta el acceso a la universidad o primeros puestos de trabajo. Una situación que ensombrece cada vez mas el futuro de esta juventud japonesa que ve frustradas sus esperanzas.

Japón es el país mas afectado por este “ aislamiento social agudo”. A falta de estudios científicos y estadísticas fiables, el Gobierno y los medios coinciden en señalar el hikikomori como un comportamiento exclusivamente masculino (ya que un hombre que se retrae de esta forma y se recluye podría considerarse un fracaso social, un renegado, mientras que en la mujer este fenómeno puede considerarse casi “normal”, es decir, lo que la sociedad espera de ellas).

Luca Pagliari ha invertido cuatro años para la realización de este proyecto. Declara sentirse atraído por la cultura japonesa desde su adolescencia; una atracción misteriosa que le lleva a realizar largos viajes y estancias prolongadas en Japón, al cabo de los cuales se le presenta como evidente hablar de este fenómeno de retraimiento social que tanto afecta al país. Un fenómeno en la sombra, y sin embargo muy real.

Para la serie de retratos, el fotógrafo llamó a colaboración vía internet, y gracias a las infinitas comunidades virtuales que existen en la red, a personas que estuvieran viviendo o hayan vivido en este estado de aislamiento extremo. Contradiciendo las estadísticas e informaciones oficiales, que señalan el hikikomori como mayoritariamente masculino, las personas que contactaron con Luca Pagliari para contar su historia fueron en su gran mayoría mujeres, siendo para casi todas ellas la primera vez que hablaban de ello con alguien.

Una visión personal de esta realidad, compuesta de retratos viscerales y acompañados de paisajes urbanos, naturales y « still life » que ayudan a crear un ambiente psicológico que nos permite proyectarnos en el mundo oscuro y silencioso de los hikikomori.

La exposición consta de una serie de imágenes tomadas entre 2005 y 2009, junto con la proyección de una serie de vídeos más recientes; vídeos que funcionan como fotografías extendidas en el tiempo, y que se añaden como relatos breves e independientes pero conceptualmente comunicados entre si, recreando de esta forma el estado interior de soledad de estas personas.

« Merece la pena subrayar que, con estos vídeos, lo que está en cuestión ya no es la soledad “japonesa”, sino que, aunque Japón sea el telón de fondo de la representación, lo que se contempla es una soledad, un retraimiento, un sufrimiento mucho más universal, el que cualquier persona, de cualquier cultura, sexo, etnia, clase social y edad puede sentir, por breve o largos períodos, en su vida ».

Una nueva obra maestra en el trabajo de Luca Pagliari, que nos habla una vez mas y con maestría de la soledad como condición última y primaria del ser humano.

Podéis leer el articulo completo escrito por el propio autor y con una selección de las imágenes del trabajo en el magazine de la vanguardia digital.

Su pagina web esta actualmente reestructurándose, pero podéis ver mas trabajos de Luca Pagliari en este link.

« Silent Cry » exposición de fotografía y vídeo. Centre Cultural La Casa Elizalde, Barcelona. Exposición hasta el 1 de junio de 2012.

Adiós a Jérôme Brézillon

 

Jérôme Brézillon (1964-2012) nos dejó a principios del mes pasado.

Descrito por sus allegados y los que tuvieron la suerte de trabajar con él como “un fotógrafo cowboy”, con una gran sensibilidad y sobre todo mucho sentido del humor.

Amaba los grandes espacios, inmensos vacíos, como amaba igualmente los paisajes infinitos de los Estados Unidos. Sin olvidar que sus retratos son realmente excelentes, llenos de complicidad con sus personajes.

Sus trabajos sobre Sarajevo, Irlanda del norte, o “on board” son algunas de las series que se pueden disfrutar en su página web.

Una venta de copias firmadas por el autor se han puesto recientemente a la venta en la galería Artligue. Y las ganancias servirán para la financiación de su último proyecto : el libro “On Board” que Jérôme tanto ansiaba.

El fotógrafo nos deja, pero sus “silencios parlantes” se quedan con nosotros.

In the fields of gold

 

Miquel Llonch nos presenta una serie de fotografías nocturnas de las afueras de su ciudad natal, tomadas con la única iluminación del cielo y la ciudad a lo lejos. Paisaje y retrato se unen en apenas veinte páginas que constituyen « In the fields of gold » (Poursuite editions, 2012).

Sus imágenes transmiten serenidad, y al mismo tiempo incertitud, como el espacio fronterizo entre ciudad y naturaleza.

« La periferia de la ciudad, espacio frágil amenazado por la euforia de la construcción y el crecimiento urbano, constituye una forma de frontera : entre ciudad y naturaleza, luz y oscuridad, ruido y silencio. Con el tiempo, estos paisajes se han convertido en refugios de serenidad, En el crepúsculo, cuando la oscuridad se extiende por los campos, todo se transforma : lo real en irreal, lo banal en esencial, lo evidente en misterio »

Poesía, nostalgia y color : Jessica Backhaus

Si hay una fotógrafa que de vida a las “naturalezas muertas” es Jessica Backhaus (de hecho, me inclino más por la traducción en inglés, still life, ya que hay más vida en algunas fotos de bodegones que en algunos retratos… ).

Conocí a Jessica en Paris Photo 2009, cuando exponía imágenes de su serie One day in november en la galería de Hamburgo Robert Morat. Expusó posteriormente en las ediciones de Paris Photo 2010 y 2011.

Su universo es pura nostalgia y poesía. Detalles como una lata de bebida tirada en el suelo o unos globos mojados por la lluvia atados a un árbol, como si, después de la fiesta celebrada, quedara el olvido; Una piscina vacía, un lazo en un poste, o un simple reflejo en un charco son algunos de los sujetos de predilección de Jessica.

No sólo sabe encontrar la belleza y poesía en objetos de lo cotidiano, sino que además su visión del color añade un estilo íntimo y personal a su obra.

De sus comienzos, comenta : “Los primeros años, mientras asistía a Gisèle Freund(su mentora y con el tiempo, buena amiga, a la cual le dedicó e inspiró el libro One day in november) en París, me planteaba que tipo de encargos me interesaban, moda, o retrato etc, pero me dí cuenta, tras un retiro en silencio para reflexionar sobre cómo iba a enfocar mi carrera, que lo único que me interesaba era mi trabajo personal. Cuando terminé mi proyecto Jesus and the cherries, fui en busca de editor, con mi maleta llena de fotografías, hasta que algúno se interesara. Era eso o abandonar la fotografía. ¡Afortunadamente encontré un editor maravilloso!”

Después de su primera publicación Jesus and the Cherries sobre el pueblo en Polonia donde solía ir de vacaciones en verano con su familia, vinieron cuatro libros más, One day in november, What still remains, One day, I wanted to see the world y otro que está en proceso.

Si sois amantes de los buenos libros de fotografía, os aconsejo descubrir el universo de Jessica Backhaus. ¡Yo, personalmente, ya los tengo todos!

 

El Congo rosado de Richard Mosse

A primera vista la serie documental Infra de Richard Mosse (31 años) podría ser otro proyecto más pasado por photoshop con el objetivo de conseguir una estética original. Nada más alejado de la realidad.

El proyecto es el resultado de cuatro viajes de seis semanas a una de las zonas más peligrosas del Congo, utilizando película infrarroja (originalmente creada por los militares para poder identificar los uniformes de camuflaje en terrenos verdosos).

Es curioso ver que los soldados “rebeldes” aparecen descubiertos en verde, contrastando con el rosa del follaje, mientras que los oficiales superiores aparecen en rosa…invisibles al enemigo.

Las imágenes de Mosse constituyen una nueva visión de la fotografía documental, segun el propio autor : “Este proyecto nació de la idea, intuitiva y absurda, de plantear una nueva formulación de la fotografía documental, la cual considero cada vez más como obsoleta. Con el paso del tiempo descubrí que algunas situaciones específicas del contexto actual del Congo concordaban perfectamente con la manera que la película infrarroja me hacía ver el mundo. De una manera perversa, ésto empezó a liberarme, a obligarme a realizar imágenes documentales las cuales quería justamente poner en duda. De esta forma me convertí en lo que precísamente temía”.

Si este autor os interesa,  su libro ya está a la venta : Infra (Apertura, edición Grand Public, marzo 2012, 40 €, 136 páginas)