Publica tu Fotolibro

No hay duda de que el fotolibro está de moda. En los últimos treinta años la cantidad de libros de fotografía publicados se ha visto incrementada considerablemente.

Un proyecto fotográfico, cierto es que preferiblemente acaba en exposición, pero sin el libro como objeto final, el evento sería tan solo efímero, y todos sabemos que no siempre hay catálogo de exposición o éste no es de la calidad deseada. El libro fotográfico es actualmente la forma de expresión predilecta en fotografía.

El fotolibro es todo un fenómeno. Basta con acercarse a cualquier feria internacional de fotografía (que suelen contar con la presencia de las principales editoriales en Art Book) y pasarse a la hora de firma de libros; si se trata de celebridades tales como Paul Graham, Martin Parr o Antoine d’Agata, mejor llega con antelación si no quieres hacer cola. Una de las más prestigiosas ferias internacionales especializadas en libros de fotografía es Offprint, en París, coincidiendo en fechas con Paris Photo.

El mercado del libro está en auge, y sin embargo algunos autores se niegan a publicar segundas ediciones, hecho que añade más valor a sus libros.

Los fotógrafos son conscientes de ello. Me resulta curioso que cada vez que un fotógrafo me firma su libro me pregunta primero : “sólo la firma o lo personalizo » , bueno, la verdad es que cada cual lo que prefiera, pero el hecho es que la firma sin dedicatoria personalizada permitirá vender el libro a mejor precio en el futuro.

Algunos ejemplos de fotolibros agotados y sus precios en reventa : Mala Noche (Antoine D’Agata, 1998) : 680€; A hundred summers, a hundred winters (Bertien van Manen, 1998) :  450 €;  The treasury project (Mark Power, 1999) : 250 €.

En Publish your photography book, Darius D. Himes y Mary Virginia Swanson nos describen de forma clara y concisa el proceso de creación de un fotolibro, y nos revelan los engranajes de la industria editorial en fotografía; Nos explican las diferentes fases necesarias para la publicación de nuestro fotolibro, tales  como:  la creación, diseño, propuesta a editoriales, estrategia de marketing y detalles de producción.

El libro consta de varios ejemplos de reconocidos fotolibros de autores como Alec Soth, Jessica Backhaus y  Alex Webb, entre otros, y además incluye entrevistas con los mismos.

Un manual completo y necesario para todos aquellos amantes del fotolibro, ¡sobre todo para los que quieran publicar uno!

Publish your photobook. Darius D. Himes & Mary Virginia Swanson. Ed. Princeton Architectural Press, 2011.

El “grito silencioso” de Luca Pagliari

Hikikomori : definido por el Ministerio de Salud, Trabajo y Bienestar japonés como el “ hecho de negarse un individuo a salir físicamente de la casa de sus padres y, por consiguiente, su alejamiento de la sociedad a través de un encierro voluntario por un periodo superior a seis meses “.

Miles de jóvenes japoneses entre 14 y 35 años sufren de este síndrome de aislamiento extremo, provocado por el peso de una sociedad en la que lo políticamente correcto es no mostrar sus emociones y aparentar buena “fachada” ; una sociedad muy competitiva desde la selección para entrar al parvulario hasta el acceso a la universidad o primeros puestos de trabajo. Una situación que ensombrece cada vez mas el futuro de esta juventud japonesa que ve frustradas sus esperanzas.

Japón es el país mas afectado por este “ aislamiento social agudo”. A falta de estudios científicos y estadísticas fiables, el Gobierno y los medios coinciden en señalar el hikikomori como un comportamiento exclusivamente masculino (ya que un hombre que se retrae de esta forma y se recluye podría considerarse un fracaso social, un renegado, mientras que en la mujer este fenómeno puede considerarse casi “normal”, es decir, lo que la sociedad espera de ellas).

Luca Pagliari ha invertido cuatro años para la realización de este proyecto. Declara sentirse atraído por la cultura japonesa desde su adolescencia; una atracción misteriosa que le lleva a realizar largos viajes y estancias prolongadas en Japón, al cabo de los cuales se le presenta como evidente hablar de este fenómeno de retraimiento social que tanto afecta al país. Un fenómeno en la sombra, y sin embargo muy real.

Para la serie de retratos, el fotógrafo llamó a colaboración vía internet, y gracias a las infinitas comunidades virtuales que existen en la red, a personas que estuvieran viviendo o hayan vivido en este estado de aislamiento extremo. Contradiciendo las estadísticas e informaciones oficiales, que señalan el hikikomori como mayoritariamente masculino, las personas que contactaron con Luca Pagliari para contar su historia fueron en su gran mayoría mujeres, siendo para casi todas ellas la primera vez que hablaban de ello con alguien.

Una visión personal de esta realidad, compuesta de retratos viscerales y acompañados de paisajes urbanos, naturales y « still life » que ayudan a crear un ambiente psicológico que nos permite proyectarnos en el mundo oscuro y silencioso de los hikikomori.

La exposición consta de una serie de imágenes tomadas entre 2005 y 2009, junto con la proyección de una serie de vídeos más recientes; vídeos que funcionan como fotografías extendidas en el tiempo, y que se añaden como relatos breves e independientes pero conceptualmente comunicados entre si, recreando de esta forma el estado interior de soledad de estas personas.

« Merece la pena subrayar que, con estos vídeos, lo que está en cuestión ya no es la soledad “japonesa”, sino que, aunque Japón sea el telón de fondo de la representación, lo que se contempla es una soledad, un retraimiento, un sufrimiento mucho más universal, el que cualquier persona, de cualquier cultura, sexo, etnia, clase social y edad puede sentir, por breve o largos períodos, en su vida ».

Una nueva obra maestra en el trabajo de Luca Pagliari, que nos habla una vez mas y con maestría de la soledad como condición última y primaria del ser humano.

Podéis leer el articulo completo escrito por el propio autor y con una selección de las imágenes del trabajo en el magazine de la vanguardia digital.

Su pagina web esta actualmente reestructurándose, pero podéis ver mas trabajos de Luca Pagliari en este link.

« Silent Cry » exposición de fotografía y vídeo. Centre Cultural La Casa Elizalde, Barcelona. Exposición hasta el 1 de junio de 2012.

Vuelta a la infancia con Thekla Ehling

Thekla Ehling (Alemania, 1968) colabora gracias a su recientes libros publicados “Sommerherz”(Summerheart) y “Vergiszmeinnich”(forget-me-not) a romper el aura fría que envuelve la fotografía contemporánea alemana.

La fotógrafa centra su mirada en su entorno más íntimo : su familia y amigos. Nos habla, a través de sus propios hijos, de la infancia : la de ellos, y la nuestra. La infancia, una época perfecta donde todo era juego y seguridad, o al menos eso es lo que recordamos con el paso de los años.

Thekla nos ofrece una mirada melancólica y poética. Sus fotos me hacen pensar a  Shally Mann y sus fotografías de familia, incluyendo sus hijos desnudos, que alguna que otra polémica causaron en su día. ¿Causan dichos retratos cierto rechazo por el hecho de mostrarse desnudos o por le hecho de mostrar una visión triste y nostálgica, no tan “feliz” de la infancia ?

En su reciente libro Vergiswmeinnicht (título que hace referencia a una flor llamada “no me olvides”) la fotógrafa realiza un homenaje a su mentor Arno Fischer y si libro The Garden, recreando la maqueta y estructura de éste, incluyendo texto a mano entre las imágenes.

Ambos libros de Thekla Ehling publicados en KHERER.

Los árboles de Robert Voit

Robert Voit (Alemania 1969) nos presenta una serie de árboles algo peculiares en su serie « New Trees » realizada entre 2003 y 2011 en varios países alrededor del mundo. De hecho se trata de antenas instaladas por grandes compañías telefónicas, camufladas de forma que se integran en el medio urbano o natural que las rodea. Ya sea por la legislación vigente en cada país respecto a la instalación de estas antenas, o para evitar agresiones a éstas, el camuflaje a veces sorprende por su realismo, aunque el resultado a veces es algo extraño.

Robert Voit, cuyos estudios de fotografía los realizó con el archiconocido fotógrafo de la Escuela de Düsseldorf Thomas Ruff en la Academy of Fine Arts en Múnich, me confesó personalmente que « alguna compañía importante de telefonía lo había contactado para utilizar su proyecto como campaña publicitaría » a lo cual él se negó ; ¡Afortunadamente, aún quedan artistas comprometidos ! Hubiera sido una pena ver sus imágenes con el logotipo de alguna de esas empresas mastodontes, de las cuales, tristemente nos hacemos dependientes en la vida moderna.

« Bueno, todos utilizamos los teléfonos móviles, todos tenemos uno en el bolsillo. Yo los odio y los amo a la vez , ¡algunos estan realmente bien hechos ! Como esos cactus-antena en Arizona, si tuviera un jardin, me gustaria tener uno de esos… »

New Trees está publicado en Steidl y ha sido expuesto en the Amador Gallery, New York y Paris Photo, entre otros reconocidos lugares.

Let’s sit down before we go

Bertien van Manen (Países Bajos, 1942) ha dedicado toda su trayectoria fotográfica a retratar lo cotidiano desde la intimidad.

Empezó su carrera en moda, pero atraída por el universo de Nan Goldin y Robert Frank decidió orientarse hacia un trabajo más personal.

En su primera publicación, “A hundred summers, a hundred winters” (1994) Bertien recorre la Unión Soviética durante tres años fotografiando momentos del día a día con su cámara automática no profesional, desarrollando un estilo amateur que le permite una mirada más íntima de sus personajes : “Viajar por Rusia en aquella época con Nikon o Leicas caras era buscarse problemas. Mis cámaras son consideradas como juguetes inofensivos, y de ésta forma me consideran como una amiga turista que le gusta hacer fotos”.

En su segunda publicación, “East wind, west wind” nos ofrece su visión de China, cuya cultura está centrada en el concepto de unidad familiar impenetrable, y de nuevo nos sorprende la intimidad, cercanía y empatía con la que nos transmite su experiencia.

En su penúltimo libro, “Give me your picture” Bertien recorre Europa y realiza todo un trabajo íntimo y documental sobre el lugar que nuestras fotos de familia ocupan en nuestros vidas y hogares. Un trabajo sobre el lugar que cada uno concede a su memoria.

“Let’s sit down before we go” (en referencia a una vieja costumbre rusa de sentarse a charlar un rato antes de un largo viaje, reflexionando de qué harán y por qué), está constituido por imágenes realizadas entre 1991 y 2009 en Rusia, Moldavia, Kazastan, Uzbekistan, Ucrania, Tatarstan y Georgia. Editado por  Stephen Gill.

Un nuevo “álbum” de fotografías, como a Bertien le gusta definir sus libros, como auténticos álbumes de familia, llenos de momentos íntimos, sin dramatismo alguno, sin juzgar, pero con complicidad.

“Let’s sit down before we go”(2011,  Mack Books)

Adiós a Jérôme Brézillon

 

Jérôme Brézillon (1964-2012) nos dejó a principios del mes pasado.

Descrito por sus allegados y los que tuvieron la suerte de trabajar con él como “un fotógrafo cowboy”, con una gran sensibilidad y sobre todo mucho sentido del humor.

Amaba los grandes espacios, inmensos vacíos, como amaba igualmente los paisajes infinitos de los Estados Unidos. Sin olvidar que sus retratos son realmente excelentes, llenos de complicidad con sus personajes.

Sus trabajos sobre Sarajevo, Irlanda del norte, o “on board” son algunas de las series que se pueden disfrutar en su página web.

Una venta de copias firmadas por el autor se han puesto recientemente a la venta en la galería Artligue. Y las ganancias servirán para la financiación de su último proyecto : el libro “On Board” que Jérôme tanto ansiaba.

El fotógrafo nos deja, pero sus “silencios parlantes” se quedan con nosotros.

In the fields of gold

 

Miquel Llonch nos presenta una serie de fotografías nocturnas de las afueras de su ciudad natal, tomadas con la única iluminación del cielo y la ciudad a lo lejos. Paisaje y retrato se unen en apenas veinte páginas que constituyen « In the fields of gold » (Poursuite editions, 2012).

Sus imágenes transmiten serenidad, y al mismo tiempo incertitud, como el espacio fronterizo entre ciudad y naturaleza.

« La periferia de la ciudad, espacio frágil amenazado por la euforia de la construcción y el crecimiento urbano, constituye una forma de frontera : entre ciudad y naturaleza, luz y oscuridad, ruido y silencio. Con el tiempo, estos paisajes se han convertido en refugios de serenidad, En el crepúsculo, cuando la oscuridad se extiende por los campos, todo se transforma : lo real en irreal, lo banal en esencial, lo evidente en misterio »

La Imagen Amante

« _¿Por qué me has fotografiado tanto ?

_No tengo la impresión de haberte fotografiado tanto. Probablemente te he fotografiado menos de lo que me hubiera gustado. De hecho, no sé por qué te fotografío…quizás porque no puedo acariciarte, pero ni siquiera te he preguntado si podía acariciarte…

_Esta idea me horroriza…

_Ves : Es más fácil preguntarte si se te puede fotografiar que si se te puede acariciar…Te fotografío como si hiciera una provisión de tí, en previsión de tu ausencia. Estas fotografías son a mi deseo como una garantía o fianza : ni siquiera sé si las ampliaré o sacaré copias, pero si un día, por el hecho del amor, tu ausencia se me hiciera insoportable, pues bien, sé que podré hacer uso de este pequeño carrete, y revelar entonces tu imagen para acariciarte, pero sin asustarte, o para hechizarte… Cuentan que para hacer que alguien que nos rechaza se enamore de nosotros, basta con dejar debajo de su cama una manzana verde llena de clavos y dejarla podrirse con el tiempo. La fotografía es una manipulación similar, como un sortilegio que te mando : haciéndote la fotografía te lío a mí si quiero, te hago entrar en mi vida, te asimilo un poco, y tu no puedes hacer nada respecto a ello… »

Hervé Guibert. Textos sobre Fotografía publicados en Le Monde (1977).

Poesía, nostalgia y color : Jessica Backhaus

Si hay una fotógrafa que de vida a las “naturalezas muertas” es Jessica Backhaus (de hecho, me inclino más por la traducción en inglés, still life, ya que hay más vida en algunas fotos de bodegones que en algunos retratos… ).

Conocí a Jessica en Paris Photo 2009, cuando exponía imágenes de su serie One day in november en la galería de Hamburgo Robert Morat. Expusó posteriormente en las ediciones de Paris Photo 2010 y 2011.

Su universo es pura nostalgia y poesía. Detalles como una lata de bebida tirada en el suelo o unos globos mojados por la lluvia atados a un árbol, como si, después de la fiesta celebrada, quedara el olvido; Una piscina vacía, un lazo en un poste, o un simple reflejo en un charco son algunos de los sujetos de predilección de Jessica.

No sólo sabe encontrar la belleza y poesía en objetos de lo cotidiano, sino que además su visión del color añade un estilo íntimo y personal a su obra.

De sus comienzos, comenta : “Los primeros años, mientras asistía a Gisèle Freund(su mentora y con el tiempo, buena amiga, a la cual le dedicó e inspiró el libro One day in november) en París, me planteaba que tipo de encargos me interesaban, moda, o retrato etc, pero me dí cuenta, tras un retiro en silencio para reflexionar sobre cómo iba a enfocar mi carrera, que lo único que me interesaba era mi trabajo personal. Cuando terminé mi proyecto Jesus and the cherries, fui en busca de editor, con mi maleta llena de fotografías, hasta que algúno se interesara. Era eso o abandonar la fotografía. ¡Afortunadamente encontré un editor maravilloso!”

Después de su primera publicación Jesus and the Cherries sobre el pueblo en Polonia donde solía ir de vacaciones en verano con su familia, vinieron cuatro libros más, One day in november, What still remains, One day, I wanted to see the world y otro que está en proceso.

Si sois amantes de los buenos libros de fotografía, os aconsejo descubrir el universo de Jessica Backhaus. ¡Yo, personalmente, ya los tengo todos!

 

Tres días con Antoine D’Agata

El pasado mes de octubre tuve el honor de participar al taller que Antoine D’Agata impartió en  La Magistral, y por supuesto, no quedé decepcionado.

A parte de la imagen de poeta maldito que Antoine ha ido forjando con el transcurso de los años en los medios de comunicación, cuando uno conversa con la última gran apuesta de Magnum Photo, descubres una personalidad tímida, humilde, con una visión pura de la fotografía, mucho sentido del humor, y grandes dosis de sinceridad.

Su primera petición a los asistentes al taller : “Os pido que hagáis un esfuerzo por descender hasta mí” y la pregunta : “¿Por qué estáis aquí?”.

En el transcurso del taller, Antoine explicó de forma muy coherente las razones que lo llevan a fotografiar de la forma que lo hace, sus motivos para formar parte de la agencia Magnum, su relación con el mundo exterior, encargos comerciales, Arte y mercado, entre otros temas propuestos.

También hubo tiempo para visionado de portfolios, donde Antoine criticó de forma sincera y constructiva el trabajo personal de los asistentes, mostrando mucho respecto y empatía hacia los portfolios de cada uno.

“La razón por la que sigo fotografiando es para dar sentido a todo mi trabajo, una coherencia y el valor documental que merece”

“En Magnum soy muy criticado. Pasé a ser miembro por los pelos, por un voto de diferencia (como fue el caso de Martin Parr), y aunque con el tiempo se me ha ido aceptando, aún hay fotógrafos(sobre todo en la agencia Magnum New York) que no entienden como se permite que el staff de la agencia pueda tener en sus manos mis fotos (…) y yo les digo como decía Capa, si la foto no es lo suficientemente buena, es que no estáis lo suficientemente cerca…¡entonces yo estoy respetando la ortodoxia de Magnum a la perfección!

La realidad es que Antoine, obviamente no tiene que dar cuentas a nadie de su forma de vida y obra, es una elección de libertad sin compromisos personales ni comerciales que eligió hace ya muchos años, para llevar a cabo su búsqueda. Sin embargo su preocupación es sin duda que su obra no sea entendida, darle el sentido que sólo él podría darle, “si yo desaparezco, ¿quién lo hará por mí?”.

” Por ello estoy trabajando en un nuevo libro hace ya meses. Hasta ahora mis otros libros habían sido publicados con prisas sin tomar el tiempo necesario para construir bien la narración. Esta vez quiero que se hagan las cosas bien, y estoy participando activamente en todas las fases, sobre todo imponiendo una maqueta particular, que me permita mostrar las imágenes como yo quiero. Habrá muchos formatos diferentes, muchas imágenes, algunas muy pequeñas, en viñetas, casi inapreciables, otras a doble página. Lo que es seguro es que habrá muchas más imágenes que en los libros anteriores, y con mucha más coherencia”.

Personalmente quise preguntarle, entre otras cosas, cómo hacía para llevar el ritmo de viajes y producción sin aceptar encargos comerciales : “Los encargos no son lo mío. Lo he intentado varias veces, y siempre me hacen sentir profundamente mal, como un gran dolor de tripas. Al principio de ser admitido en Magnum como miembro de pleno derecho, acepté un nivel increible de encargos los seis primeros meses, y después de realizar el primero, anulé los demás. Sé que algunos fotógrafos de la agencia viven bien con encargos publicitarios y de moda, o institucionales, es una decisión totalmente respetable, pero yo no quiero. A veces acepto encargos cortos que pagan bien, como colaboraciones con el cine, que te pueden ofrecer mucho dinero por colaborar un par de días, y eso me permite vivir durante mucho tiempo. Los talleres también ayudan mucho. Lo importante, si os puedo dar un consejo, es hacer aquello que os guste, que os interese, y que os haga sentir bien, no aceptéis ningún compromiso”.

“Mi trabajo cuestiona la fotografía documental y cuál es la posición del fotógrafo, en resumen, mi trabajo cuestiona la responsabilidad del trabajo de fotógrafo y cómo éste lo asume”.

En cuanto a sus mentores en ICP, Nan Goldin y Larry Clark : “Con treinta años estudié en ICP. Aprendí mucho de ellos, pero siempre intenté alejarme de su estilo. No pagué mi año de estudios y los directivos querían expulsarme de la escuela. Afortunadamente los profesores defendieron mis intereses. Con los años, dando talleres en ICP saldé mi deuda…”

“Hoy día la fotografía está muy controlada. Los fotógrafos encuentran un camino y un estilo que funciona y dejan de experimentar. Lo fotográfico es más importante que la experiencia, con lo cual los proyectos quedan en meros trabajo fotográficos. Yo prefiero que la situación de la foto gane a la forma “.

En cuanto a la relación con las prostitutas : “Mis ex novias me preguntan siempre qué tienen las prostitutas que no tengan ellas. Bueno, no sé, supongo que una sinceridad sin el peso de los códigos sociales. Necesito esa desnudez física y emocional. En la noche todo es distinto, y eso no lo encuentro en la vida normal (…) Una vez me enamoré de una prostituta, e intenté sacarla de ese mundo…finalmente no puedes….casi me matan”.

¿Cómo ve Antoine el futuro de la fotografía de prensa? : “El problema no es si la fotografía o la prensa sobrevivirán, lo importante es quebrar las reglas y lógicas impuestas y sacar a flote las preguntas esenciales, para ti mismo y para el mundo(…) Sin embargo, los trabajos tan subjetivos, del fotógrafo mirándose el ombligo, no me interesan, no me comunican (…)Los fotógrafos que han marcado la historia de la fotografía son aquellos que, ante una problemática, han reinventado las reglas, y aportado nuevas soluciones”

En cuanto a su lenguaje y su obsesión por lo “borroso” : “Lo borroso es una herramienta peligrosa que conduce la fotografía irremediablemente a la poesía y la abstracción. Estoy en búsqueda de un estado intermedio de la representación fotográfica, menos gráfico, más carnal, más implicado con el cuerpo”.

El taller finaliza con la proyección de Aka Ana(2008) : “Las prostitutas suelen decirme que ellas y yo somos iguales, los dos follamos por dinero…”.

Un inmenso gracias a Antoine por su sinceridad y por compartir su universo con nosotros y a todos los participantes del taller. Una experiencia inolvidable que os aconsejo a todos.

Podéis encontrar textos interesantes sobre su obra, explicados por el mismo, en Manifeste(Le point du jour, 2005) y Le désir du monde, entretiens (Ed. Téraèdre, 2008).