Garry Winogrand: el espectáculo cotidiano de lo urbano

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Garry Winogrand ( Nueva York 1928-1984) nos muestra su visión de los Estados Unidos de América de posguerra en la exposición que acaba de inaugurarse en el museo de arte contemporáneo “Jeu de Paume” en París.

Dentro del movimiento de “street photography” e influenciado por Robert Frank y Walker Evans, ambos fotógrafos reconocidos por su amplio estudio sobre la Norteamérica de la época, Garry se centra en la sociedad urbana de posguerra (principalmente de grandes ciudades como Nueva York, Dallas y Los Ángeles) mostrándonos su visión dinámica del paisaje urbano.

Marcado por el gran angular y el uso de sus características perspectivas inclinadas, la calle se convierte en escenario incesante de personajes y eventos pintorescos, sin olvidar el toque de realismo y humor del autor.

En esta retrospectiva dedicada a la obra de Winogrand se incluyen las imágenes más emblemáticas del autor junto con imágenes inéditas, abarcando desde los años cincuenta a los ochenta.

Habría que destacar como curiosidad que el autor deja de consagrar tiempo a la edición de sus propias imágenes a partir de 1971, dejando totalmente de ocuparse de la selección a partir de 1978, hecho que será ampliamente reprochado por la crítica, y por John Szarkowski, crítico de fotografía y conservador en el MoMA.

Otro punto interesante es el contraste entre la saturación de acción y personajes de la primera parte de su carrera con la falta de acción y recurrente repetición que caracteriza las imágenes de su último periodo de creación.

En la exposición se puede disfrutar igualmente de una proyección que incluye extractos de una entrevista realizada al fotógrafo donde nos habla de sus influencias, sus temas de predilección y su visión de la fotografía como medio artístico.

“A veces siento como si…el mundo fuera un espectáculo para el cual he comprado una entrada. Un gran espectáculo  donde nada ocurriría si no estuviera allí con mi cámara”.

“La fotografía tiene que ser más dramática que la propia realidad”.

Exposición en Jeu de Paume hasta el 8 de febrero de 2015.

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PHEED : El Arte independiente

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Pheed es un organismo independiente que opera en los ámbitos de la cultura y las artes visuales, con un enfoque específico en el medio fotográfico.

Sus principales áreas de actividad abarcan la investigación y práctica artística,  comisariado de exposiciones y difusión de obra de artistas, proyectos educativos, organización de conferencias, debates temáticos y publicaciones especializadas.

Pheed estará presente en la feria de arte contemporáneo “Berliner Liste”, en Berlín, del 19 al 22 de septiembre, donde expondrá imágenes de 17 artistas internacionales.

Para financiar los costes de la participación en la feria han lanzado una campaña de crowdfunding que ha conseguido sus objetivos con creces (4.930€ de 3.900€).  De esta forma de colaboración entre público y artista todo individuo se transforma en elemento esencial del proceso artístico, determinando el tipo de arte que se expondrá, al mismo tiempo que tiene la posibilidad de ser coleccionista con una inversión reducida.

Una alternativa a la jerarquía hermética del mundo del Arte. Olvídense de hombres de negocios con los ojos como dólares vendiendo cuadros como podrían vender tomates. Aquí los que mueven la creación saben de lo que hablan, y lo más importante, hacen partícipe al público de todo el proceso.

http://www.pheed.eu/site/index.php

 

Anticorps, Antoine D’Agata

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 Anoche tuve el honor de asistir a la inauguración de la última exposición de D’Agata (Magnum Photos), donde reúne los últimos veinte años de su vida; exposición que cierra un ciclo de vida del fotógrafo que marcó el mundo fotográfico desde su primera exposición hace ya diez años, en la galería Vu.

 Antoine comenzó a fotografiar tardíamente, a los treinta años, aunque llevaba ya tras de sí un bagaje de más de diez años de viajes y herrancias, de experiencias y de búsqueda.

 La muerte de un buen amigo lo empujó a tomar la cámara como testimonio de sus propias vivencias personales y desde entonces nos ha ofrecido su visión del mundo, de la forma más íntima y sincera que un fotógrafo puede ofrecer.

 La exposición cuenta con imágenes tomadas desde 1990 hasta 2012. Cabe destacar el ingenuo montaje ideado expresamente para la sala de exposiciones de Le Bal, un lugar dedicado a la imagen documental del que ya he hablado en otros artículos, y cuyo defecto es que se queda corto en espacio, teniendo en cuenta que la mayoría de las exposiciones que muestran son grandes autores o retrospectivas.

 Los muros se cubren de suelo a techo con composit de imágenes en formato cartel papel, donde se superponen imágenes enmarcadas en madera negra. Los formatos varían desde formatos pequeños hasta formatos gigantes. Un caos bien estructurado con la coherencia perfecta de un autor cuya vida y obra son indivisibles.

A la ocasión de este evento se pone a la venta su última publicación : Anticorps (Editions Xavier Barral,
70 €), que reúne toda su obra, por lo tanto es una completa autobiografía, con dos mil cuatrocientas imágenes. Cien ejemplares en edición limitada incluyen una fotografía 18x24cm firmada y numerada por el autor (480€)

 « Quería realizar el último libro » Antoine D’Agata.

 ¿Habrá llegado Antoine a un punto máximo en su relación con el medio fotográfico ? ¿Nos sorprenderá con nuevas imágenes o se decantará definitivamente por el video ?

 En torno a esta exposición se han planificado debates, conferencias, lecturas con el fin de clarificar la densa obra, influida y nutrida de vastas referencias literarias, filosóficas y estéticas, y de invitados especiales que contarán sus encuentros con el autor.

 El próximo sábado 26 de enero está programada la firma de libros a las 12h30 en la librería de Le Bal.

Exposición Anticorps hasta el 14 de abril de 2013.

A los amantes del libro de fotografía y del trabajo de D’Agata, sólo por información, la anterior publicación de Antoine, ICE, está ya agotada…

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Hopper y la Fotografía

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Edward Hopper (U.S.A 1882-1967) es sin duda uno de los pintores que mas ha inspirado a generaciones  enteras de fotógrafos.

Tras una estancia en varias ciudades europeas al principio de su carrera (París, Berlín, Londres, Bruselas) donde trata temas como la soledad humana, nostalgia y escenas urbanas, vuelve definitivamente a Estados Unidos donde logra su consagración definitiva en 1923.

 Sus obras en este periodo post-europeo reflejan lo cotidiano de la realidad americana de la época, sin olvidar la nostalgia y soledad que caracterizan a los personajes representados en sus pinturas.

 Son innumerables los fotógrafos influenciados por la atmósfera de Hopper, sus luces, sombras y colores. Pero si hay algo en especial que hace de Hopper uno de los pintores mas influyentes en la fotografía contemporánea es, a mi parecer, sus silencios. El silencio de la soledad, de la ausencia, la mirada furtiva al interior de un café, a la última copa  solitaria antes del cierre del bar.

En la primera retrospectiva en Francia dedicada a Hopper, que puede disfrutarse hasta el 3 de febrero de 2013 en la galería del Grand Palais (París), también cuenta con fotógrafos que marcaron la mirada de Hopper, como Wim Wenders y Eugène Atget.

En una versión mas contemporánea se proyecta el trabajo del fotógrafo Philip-Lorca Dicorcia, con su obra “Twilight” donde se inspira de ambientes, escenarios  y estética Hopper.

 Exposición prolongada hasta el 3 el de febrero de 2013. ¡Indispensable!

Fotografía de Wim Wenders

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Paris Photo 2012: Más de lo mismo

La  16 edición de Paris Photo 2012 finalizó el pasado domingo en el Grand Palais.

128 galerías seleccionadas y un aumento en editoriales presentes (23)en la Feria hacen de esta edición el acontecimiento fotográfico de referencia mundial, con 22 países representados.

París Photo es sin duda una marca en plena expansión ;Próximo objetivo: exportarse a Los Ángeles, con una edición de Paris Photo Los Ángeles prevista el próximo 25 de abril en los estudios de la Paramount Pictures.

Desde su creación en 1996 jamás una feria de fotografía había recibido tantas visitas (38.000 visitas el último año de París Photo en el Louvre, pasando a 50.000 por la primera edición en el Grand Palais en el 2011).

¿Novedades? La exposición en el Grand Palais ha aportado más espacio, más respiración y más prestigio. Difícil de ver las obras expuestas cuando hay sol…algunas galerías pierden en visibilidad o están obligadas a cubrir su techo para eliminar reflejos indeseables.

Se ha eliminado el tradicional “país invitado” para dar paso a un padrino por edición. Este 2012 el maestro de ceremonias es David Lynch, con un recorrido aconsejado por el artista, y cartelitos en las fotos que más le han gustado (“vu par Lynch”).  Esta medida, aparentemente innovadora, no ha sido del gusto de los galeristas que han considerado excesivas las exigencias del Lynch…no respetadas por la mayoría de los galeristas, ya que al director de cine le gustan los grandes formatos, y aconsejaba a las galerías qué foto reproducir a gran tamaño, a gastos de la galería, claro está… ; si tenemos en cuenta que un espacio de unos veinte metros cuadrados cuesta unos 20.000€, los “consejos de Lynch” pueden ignorarse con razón.

Esta edición también cuenta con un premio al mejor Photobook. En asociación con la Foundation Aperture de Nueva York (Paris Photo-Aperture Foundation Award). Los libros premiados son : First PhotoBook Award y premio de 10.000 $ a David Galjaard, libro autopublicado “Concresco”. Premio PhotoBook of the year para Anders Petersen “City Diary”(Steidl).

Otra novedad: el video empieza a introducirse descaradamente. Me pregunto cuánto falta para ver “performances” y hologramas en Paris Photo. Dentro de poco no habrá diferencia entre la FIAC (feria internacional de arte contemporáneo en París, también presente en el Grand palais ) y Paris Photo…; el medio fotográfico evoluciona y se fusiona con disciplinas hermanas. No tengo nada en contra de este hecho, pero la fotografía debe reservarse el lugar que merece.

Galerías presentes españolas :  Oliva Arauna (Madrid), y  Raiña Lupa (Barcelona). La ausencia por segundo año consecutivo de Juana de Aizpuru (Madrid), el cambio del Louvre al Grand Palais no fue del agrado de la excéntrica galerista.

Entre las obras expuestas no hay mucha novedad. Un placer volver a ver fotografías originales de Robert Mapplethorpe, Diane Arbus, Avedon, Francesca Woodman, Antoine D’Agata. Los mismos grandes formatos (Massimo Vitali & company…) pero nada, absolutamente nada, realmente sorprendente. ¿Será que ya lo hemos visto todo… ?.

Me ha parecido más interesante la parte editorial y SFR Jeunes talents que lo expuesto en las galerías.

Siempre interesante y constructivo de ver lo que « se vende » en el mercado de la fotografía contemporánea, aunque uno salga de Paris Photo con nauseas…y con muchas preguntas.

Otra novedad…no sólo hay una « entrada VIP » (alfombra roja incluida al más puro estilo Festival de Cannes) sino que además han añadido una salida VIP…en donde uno sale sin hacer cola, ya que en la salida de la vulgar Plebe verifican los bolsos y mochilas…¡no vaya a ser que te lleves un Tomas Ruff escondido en algún bolsillo !).

La pregunta recurrente cada año, como fotógrafo, es : ¿Arte y Mercado pueden convivir con dignidad?.

A cada cual sus respuestas.

La Imagen Amante

« _¿Por qué me has fotografiado tanto ?

_No tengo la impresión de haberte fotografiado tanto. Probablemente te he fotografiado menos de lo que me hubiera gustado. De hecho, no sé por qué te fotografío…quizás porque no puedo acariciarte, pero ni siquiera te he preguntado si podía acariciarte…

_Esta idea me horroriza…

_Ves : Es más fácil preguntarte si se te puede fotografiar que si se te puede acariciar…Te fotografío como si hiciera una provisión de tí, en previsión de tu ausencia. Estas fotografías son a mi deseo como una garantía o fianza : ni siquiera sé si las ampliaré o sacaré copias, pero si un día, por el hecho del amor, tu ausencia se me hiciera insoportable, pues bien, sé que podré hacer uso de este pequeño carrete, y revelar entonces tu imagen para acariciarte, pero sin asustarte, o para hechizarte… Cuentan que para hacer que alguien que nos rechaza se enamore de nosotros, basta con dejar debajo de su cama una manzana verde llena de clavos y dejarla podrirse con el tiempo. La fotografía es una manipulación similar, como un sortilegio que te mando : haciéndote la fotografía te lío a mí si quiero, te hago entrar en mi vida, te asimilo un poco, y tu no puedes hacer nada respecto a ello… »

Hervé Guibert. Textos sobre Fotografía publicados en Le Monde (1977).

Poesía, nostalgia y color : Jessica Backhaus

Si hay una fotógrafa que de vida a las “naturalezas muertas” es Jessica Backhaus (de hecho, me inclino más por la traducción en inglés, still life, ya que hay más vida en algunas fotos de bodegones que en algunos retratos… ).

Conocí a Jessica en Paris Photo 2009, cuando exponía imágenes de su serie One day in november en la galería de Hamburgo Robert Morat. Expusó posteriormente en las ediciones de Paris Photo 2010 y 2011.

Su universo es pura nostalgia y poesía. Detalles como una lata de bebida tirada en el suelo o unos globos mojados por la lluvia atados a un árbol, como si, después de la fiesta celebrada, quedara el olvido; Una piscina vacía, un lazo en un poste, o un simple reflejo en un charco son algunos de los sujetos de predilección de Jessica.

No sólo sabe encontrar la belleza y poesía en objetos de lo cotidiano, sino que además su visión del color añade un estilo íntimo y personal a su obra.

De sus comienzos, comenta : “Los primeros años, mientras asistía a Gisèle Freund(su mentora y con el tiempo, buena amiga, a la cual le dedicó e inspiró el libro One day in november) en París, me planteaba que tipo de encargos me interesaban, moda, o retrato etc, pero me dí cuenta, tras un retiro en silencio para reflexionar sobre cómo iba a enfocar mi carrera, que lo único que me interesaba era mi trabajo personal. Cuando terminé mi proyecto Jesus and the cherries, fui en busca de editor, con mi maleta llena de fotografías, hasta que algúno se interesara. Era eso o abandonar la fotografía. ¡Afortunadamente encontré un editor maravilloso!”

Después de su primera publicación Jesus and the Cherries sobre el pueblo en Polonia donde solía ir de vacaciones en verano con su familia, vinieron cuatro libros más, One day in november, What still remains, One day, I wanted to see the world y otro que está en proceso.

Si sois amantes de los buenos libros de fotografía, os aconsejo descubrir el universo de Jessica Backhaus. ¡Yo, personalmente, ya los tengo todos!

 

Tres días con Antoine D’Agata

El pasado mes de octubre tuve el honor de participar al taller que Antoine D’Agata impartió en  La Magistral, y por supuesto, no quedé decepcionado.

A parte de la imagen de poeta maldito que Antoine ha ido forjando con el transcurso de los años en los medios de comunicación, cuando uno conversa con la última gran apuesta de Magnum Photo, descubres una personalidad tímida, humilde, con una visión pura de la fotografía, mucho sentido del humor, y grandes dosis de sinceridad.

Su primera petición a los asistentes al taller : “Os pido que hagáis un esfuerzo por descender hasta mí” y la pregunta : “¿Por qué estáis aquí?”.

En el transcurso del taller, Antoine explicó de forma muy coherente las razones que lo llevan a fotografiar de la forma que lo hace, sus motivos para formar parte de la agencia Magnum, su relación con el mundo exterior, encargos comerciales, Arte y mercado, entre otros temas propuestos.

También hubo tiempo para visionado de portfolios, donde Antoine criticó de forma sincera y constructiva el trabajo personal de los asistentes, mostrando mucho respecto y empatía hacia los portfolios de cada uno.

“La razón por la que sigo fotografiando es para dar sentido a todo mi trabajo, una coherencia y el valor documental que merece”

“En Magnum soy muy criticado. Pasé a ser miembro por los pelos, por un voto de diferencia (como fue el caso de Martin Parr), y aunque con el tiempo se me ha ido aceptando, aún hay fotógrafos(sobre todo en la agencia Magnum New York) que no entienden como se permite que el staff de la agencia pueda tener en sus manos mis fotos (…) y yo les digo como decía Capa, si la foto no es lo suficientemente buena, es que no estáis lo suficientemente cerca…¡entonces yo estoy respetando la ortodoxia de Magnum a la perfección!

La realidad es que Antoine, obviamente no tiene que dar cuentas a nadie de su forma de vida y obra, es una elección de libertad sin compromisos personales ni comerciales que eligió hace ya muchos años, para llevar a cabo su búsqueda. Sin embargo su preocupación es sin duda que su obra no sea entendida, darle el sentido que sólo él podría darle, “si yo desaparezco, ¿quién lo hará por mí?”.

” Por ello estoy trabajando en un nuevo libro hace ya meses. Hasta ahora mis otros libros habían sido publicados con prisas sin tomar el tiempo necesario para construir bien la narración. Esta vez quiero que se hagan las cosas bien, y estoy participando activamente en todas las fases, sobre todo imponiendo una maqueta particular, que me permita mostrar las imágenes como yo quiero. Habrá muchos formatos diferentes, muchas imágenes, algunas muy pequeñas, en viñetas, casi inapreciables, otras a doble página. Lo que es seguro es que habrá muchas más imágenes que en los libros anteriores, y con mucha más coherencia”.

Personalmente quise preguntarle, entre otras cosas, cómo hacía para llevar el ritmo de viajes y producción sin aceptar encargos comerciales : “Los encargos no son lo mío. Lo he intentado varias veces, y siempre me hacen sentir profundamente mal, como un gran dolor de tripas. Al principio de ser admitido en Magnum como miembro de pleno derecho, acepté un nivel increible de encargos los seis primeros meses, y después de realizar el primero, anulé los demás. Sé que algunos fotógrafos de la agencia viven bien con encargos publicitarios y de moda, o institucionales, es una decisión totalmente respetable, pero yo no quiero. A veces acepto encargos cortos que pagan bien, como colaboraciones con el cine, que te pueden ofrecer mucho dinero por colaborar un par de días, y eso me permite vivir durante mucho tiempo. Los talleres también ayudan mucho. Lo importante, si os puedo dar un consejo, es hacer aquello que os guste, que os interese, y que os haga sentir bien, no aceptéis ningún compromiso”.

“Mi trabajo cuestiona la fotografía documental y cuál es la posición del fotógrafo, en resumen, mi trabajo cuestiona la responsabilidad del trabajo de fotógrafo y cómo éste lo asume”.

En cuanto a sus mentores en ICP, Nan Goldin y Larry Clark : “Con treinta años estudié en ICP. Aprendí mucho de ellos, pero siempre intenté alejarme de su estilo. No pagué mi año de estudios y los directivos querían expulsarme de la escuela. Afortunadamente los profesores defendieron mis intereses. Con los años, dando talleres en ICP saldé mi deuda…”

“Hoy día la fotografía está muy controlada. Los fotógrafos encuentran un camino y un estilo que funciona y dejan de experimentar. Lo fotográfico es más importante que la experiencia, con lo cual los proyectos quedan en meros trabajo fotográficos. Yo prefiero que la situación de la foto gane a la forma “.

En cuanto a la relación con las prostitutas : “Mis ex novias me preguntan siempre qué tienen las prostitutas que no tengan ellas. Bueno, no sé, supongo que una sinceridad sin el peso de los códigos sociales. Necesito esa desnudez física y emocional. En la noche todo es distinto, y eso no lo encuentro en la vida normal (…) Una vez me enamoré de una prostituta, e intenté sacarla de ese mundo…finalmente no puedes….casi me matan”.

¿Cómo ve Antoine el futuro de la fotografía de prensa? : “El problema no es si la fotografía o la prensa sobrevivirán, lo importante es quebrar las reglas y lógicas impuestas y sacar a flote las preguntas esenciales, para ti mismo y para el mundo(…) Sin embargo, los trabajos tan subjetivos, del fotógrafo mirándose el ombligo, no me interesan, no me comunican (…)Los fotógrafos que han marcado la historia de la fotografía son aquellos que, ante una problemática, han reinventado las reglas, y aportado nuevas soluciones”

En cuanto a su lenguaje y su obsesión por lo “borroso” : “Lo borroso es una herramienta peligrosa que conduce la fotografía irremediablemente a la poesía y la abstracción. Estoy en búsqueda de un estado intermedio de la representación fotográfica, menos gráfico, más carnal, más implicado con el cuerpo”.

El taller finaliza con la proyección de Aka Ana(2008) : “Las prostitutas suelen decirme que ellas y yo somos iguales, los dos follamos por dinero…”.

Un inmenso gracias a Antoine por su sinceridad y por compartir su universo con nosotros y a todos los participantes del taller. Una experiencia inolvidable que os aconsejo a todos.

Podéis encontrar textos interesantes sobre su obra, explicados por el mismo, en Manifeste(Le point du jour, 2005) y Le désir du monde, entretiens (Ed. Téraèdre, 2008).

El Congo rosado de Richard Mosse

A primera vista la serie documental Infra de Richard Mosse (31 años) podría ser otro proyecto más pasado por photoshop con el objetivo de conseguir una estética original. Nada más alejado de la realidad.

El proyecto es el resultado de cuatro viajes de seis semanas a una de las zonas más peligrosas del Congo, utilizando película infrarroja (originalmente creada por los militares para poder identificar los uniformes de camuflaje en terrenos verdosos).

Es curioso ver que los soldados “rebeldes” aparecen descubiertos en verde, contrastando con el rosa del follaje, mientras que los oficiales superiores aparecen en rosa…invisibles al enemigo.

Las imágenes de Mosse constituyen una nueva visión de la fotografía documental, segun el propio autor : “Este proyecto nació de la idea, intuitiva y absurda, de plantear una nueva formulación de la fotografía documental, la cual considero cada vez más como obsoleta. Con el paso del tiempo descubrí que algunas situaciones específicas del contexto actual del Congo concordaban perfectamente con la manera que la película infrarroja me hacía ver el mundo. De una manera perversa, ésto empezó a liberarme, a obligarme a realizar imágenes documentales las cuales quería justamente poner en duda. De esta forma me convertí en lo que precísamente temía”.

Si este autor os interesa,  su libro ya está a la venta : Infra (Apertura, edición Grand Public, marzo 2012, 40 €, 136 páginas)

Berenice Abbott

 

 

 

Berenice Abbott (1898-1991) fue una fotógrafa americana, pionera en fotografía documental y científica.
En la retrospectiva expuesta en el museo Jeu de Paume, París, se pueden disfrutar desde sus primeros retratos de los círculos culturales de la París de los años 20, cuando comenzó asistiendo a Man Ray, hasta sus ilustraciones científicas sobre los principios de la mecánica y de la luz, sin olvidar su ilustre trabajo documental sobre Nueva York desde 1935 hasta 1939.
En la exposición me han llamado especialmente la atención los documentos presentados en el trabajo de Changing New York, donde pueden apreciarse planos minuciosos de la ciudad, planos de arquitecto, en los que la fotógrafa tomaba notas de su itinerario, bloque a bloque, detalle por detalle, planteando su proyecto en un verdadero estudio documental de la ciudad, una Nueva York “cambiando” donde edificios viejos y pequeñas iglesias de barrio conviven con gigantes rascacielos.
“Es curioso pensar que en Europa las iglesias y catedrales son enormes, junto a pequeños edificios, mientras que en Nueva York, las iglesias quedan minúsculas al lado de los nuevos rascacielos”
Después de ver el video proyectado, donde Berenice nos habla de su trayectoria y de su visión de la fotografía, no me cabe ninguna duda en que, una vez más, el artista camina por delante de su época y observa consciente el mundo que lo rodea.
“Un señor al que interrogé en el transcurso de mis rutinarios recorridos fotográficos en la ciudad me dijó : una señorita decente no debe andar deambulando por ahí, y le contesté : ¡pero yo no soy una señorita decente!, ¡soy fotógrafa, y los fotógrafos deambulamos por todos lados! “.