“Merry Christmas” de Laure Vasconi

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Laure Vasconi nos presenta una serie gráfica y poética sobre la decoración navideña de las afueras de Los Ángeles.  Las imágenes más antiguas de la serie datan de 2001, pocos meses después de la tragedia del 11-S.

En lugar de reflejar un ambiente festivo, Laure nos adentra en una Navidad de penumbra, donde la arquitectura se transforma en siluetas luminosas dando paso  a un escenario de ficción de ambiente fantasmagórico.

Formada en la ICP en Nueva York, Laure trabaja regularmente para la prensa (Les Inrockuptibles, Libération, Le Monde) y para Théâtre de l’Odéon, l’Opéra de Paris, Comédie Française…) y ha editado varias obras (Editions Filigranes, Point du jour, editions de l’Oeil).

La exposición “Merry Christmas” inaugura mañana en la galería Sit Down (París) y permanecerá hasta el cuatro de enero de 2014.

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Paris Photo 2012: Más de lo mismo

La  16 edición de Paris Photo 2012 finalizó el pasado domingo en el Grand Palais.

128 galerías seleccionadas y un aumento en editoriales presentes (23)en la Feria hacen de esta edición el acontecimiento fotográfico de referencia mundial, con 22 países representados.

París Photo es sin duda una marca en plena expansión ;Próximo objetivo: exportarse a Los Ángeles, con una edición de Paris Photo Los Ángeles prevista el próximo 25 de abril en los estudios de la Paramount Pictures.

Desde su creación en 1996 jamás una feria de fotografía había recibido tantas visitas (38.000 visitas el último año de París Photo en el Louvre, pasando a 50.000 por la primera edición en el Grand Palais en el 2011).

¿Novedades? La exposición en el Grand Palais ha aportado más espacio, más respiración y más prestigio. Difícil de ver las obras expuestas cuando hay sol…algunas galerías pierden en visibilidad o están obligadas a cubrir su techo para eliminar reflejos indeseables.

Se ha eliminado el tradicional “país invitado” para dar paso a un padrino por edición. Este 2012 el maestro de ceremonias es David Lynch, con un recorrido aconsejado por el artista, y cartelitos en las fotos que más le han gustado (“vu par Lynch”).  Esta medida, aparentemente innovadora, no ha sido del gusto de los galeristas que han considerado excesivas las exigencias del Lynch…no respetadas por la mayoría de los galeristas, ya que al director de cine le gustan los grandes formatos, y aconsejaba a las galerías qué foto reproducir a gran tamaño, a gastos de la galería, claro está… ; si tenemos en cuenta que un espacio de unos veinte metros cuadrados cuesta unos 20.000€, los “consejos de Lynch” pueden ignorarse con razón.

Esta edición también cuenta con un premio al mejor Photobook. En asociación con la Foundation Aperture de Nueva York (Paris Photo-Aperture Foundation Award). Los libros premiados son : First PhotoBook Award y premio de 10.000 $ a David Galjaard, libro autopublicado “Concresco”. Premio PhotoBook of the year para Anders Petersen “City Diary”(Steidl).

Otra novedad: el video empieza a introducirse descaradamente. Me pregunto cuánto falta para ver “performances” y hologramas en Paris Photo. Dentro de poco no habrá diferencia entre la FIAC (feria internacional de arte contemporáneo en París, también presente en el Grand palais ) y Paris Photo…; el medio fotográfico evoluciona y se fusiona con disciplinas hermanas. No tengo nada en contra de este hecho, pero la fotografía debe reservarse el lugar que merece.

Galerías presentes españolas :  Oliva Arauna (Madrid), y  Raiña Lupa (Barcelona). La ausencia por segundo año consecutivo de Juana de Aizpuru (Madrid), el cambio del Louvre al Grand Palais no fue del agrado de la excéntrica galerista.

Entre las obras expuestas no hay mucha novedad. Un placer volver a ver fotografías originales de Robert Mapplethorpe, Diane Arbus, Avedon, Francesca Woodman, Antoine D’Agata. Los mismos grandes formatos (Massimo Vitali & company…) pero nada, absolutamente nada, realmente sorprendente. ¿Será que ya lo hemos visto todo… ?.

Me ha parecido más interesante la parte editorial y SFR Jeunes talents que lo expuesto en las galerías.

Siempre interesante y constructivo de ver lo que « se vende » en el mercado de la fotografía contemporánea, aunque uno salga de Paris Photo con nauseas…y con muchas preguntas.

Otra novedad…no sólo hay una « entrada VIP » (alfombra roja incluida al más puro estilo Festival de Cannes) sino que además han añadido una salida VIP…en donde uno sale sin hacer cola, ya que en la salida de la vulgar Plebe verifican los bolsos y mochilas…¡no vaya a ser que te lleves un Tomas Ruff escondido en algún bolsillo !).

La pregunta recurrente cada año, como fotógrafo, es : ¿Arte y Mercado pueden convivir con dignidad?.

A cada cual sus respuestas.

Fragmentos de sociedad . Visiones de Paul Graham

Finalmente llegó. La retrospectiva tan esperada que ya ha pasado por la Whitechapel Gallery de Londres y el Museo Folkwang en Essen, debería haber sido expuesta en el Centro George Pompidou de París;  por motivos “técnicos o financieros” acaba expuesta en Le Bal, centro  expositivo dedicado íntegramente a la imagen documental.

Paul Graham se inscribe en la tradición británica del documentalismo social (Bill Brandt, Chris Killip, Graham Smith) provocando cierta polémica por su utilización del color.

Autodidacta, P.Graham asume su inspiración e influencias en los pioneros americanos del color Eggleston, Stephen Shore y Joel Meyerowitz.

“Una fotografía que tiene por finalidad capturar la esencia de un momento, de un personaje o de una situación a menudo fracasa mientras que una fotografía que no vale más que un recuerdo puede, de forma extraña, conseguirlo. Aceptar este hecho con lucidez y sin prejuicios permite llegar mas lejos, porque nada se establece por si mismo con la técnica, los principios fotográficos o incluso la sinceridad de la intención del fotógrafo”.

Debido a una evidente falta de espacio en Le Bal, la retrospectiva ha sido reducida en esta exposición a la muestra de dos de sus series, Beyond Caring y The Present.

Beyond Caring muestra una nueva forma de comentario crítico, a mediados de los años ochenta, e innova con el uso del color en este tipo de fotografía crítica.

Durante dos años, Paul Graham visita con regularidad las oficinas de desempleo por todo el país,  que resumen con claridad la urgente falta de renovación del sistema económico nacional de Gran Bretaña de esta época.

Pasillos lúgubres, ciudadanos desesperados y ausentes, paredes de colores agobiantes, y la espera…Me pregunto que visión tendría Graham sobre la situación española actual, porque oficinas de desempleo desbordadas no nos sobran precisamente…

En la segunda serie expuesta, The Present, Graham nos muestra la vida en las calles de Nueva York, como homenaje a la clásica Streetphotography (Harry Callahan, Lee Friedlander, Helen Levitt).

Un ir y venir continuo de personajes, señales, luces y reflejos, se cruzan y conviven creando una sensación de “soledad en la multitud”. Una luz  reconocible del sol de Nueva York y el reflejo de éste en los edificios, dejando a los personajes aislados en un claroscuro teatral, unido a un efecto borroso característico de Graham; por momentos no sabes si es real o un decorado de teatro.

Si Cartier-Bresson defendía con su vida su archiconocido “instante decisivo”, Paul Graham lo descompone, ofreciendo una secuencia entera de un “instante decisivo”. Por fin alguien se atreve.

Algo menos práctico es plasmar esta descomposición en sus libros. Tanto despliegue de páginas en trípticos y dobles trípticos terminan por estropear las hojas. Buenas fotos, buena concepción de maqueta, pésimo resultado para el visionado del libro. De ahí la problemática de contar la misma historia en exposición y mantener la misma fidelidad narrativa en un libro.

Paul Graham, Exposición

Le Bal, París

Hasta el 9 de diciembre 2012

7 Rooms, Rafal Milach

Recientemente descubrí en Berlín un lugar lleno de encanto (como la misma ciudad de Berlín) dedicado a la fotografía y Artes visuales en general : C/O Berlín. El lugar fue construido en 1880 y fue utilizado como oficina de correos (no puedo dejar de pensar que en mi tierra natal, Murcia, tenemos el mismo edificio abandonado esperando ser resucitado, pero a pesar de que en la última entrega internacional de arte contemporáneo, Manifesta, se reutilizó con fines artísticos, finalmente las autoridades y lobbies varios, al estilo garruleo mafioso político murciano, han decidido hacer de este maravilloso edificio histórico… un genial ¡¡¡CASINO!!!).

Entre las exposiciones actuales pude (volver) a ver la eterna Tulsa de Larry Clark, y sus fotos de siempre…como nuestro querido  Alberto García Alix, vive de lo mismo desde los años sesenta, y lo peor es que después de su grandioso Tulsa, en el que él formaba parte de esa vida adolescente fuera de control, primeras experiencias sexuales y contacto con las drogas, desde un punto de vista interno, teniendo la misma edad, intenta aplicar la misma fórmula cuarenta años después, versión color y 2×3 metros…no, Larry, no cuela.

En el primer piso de este Correos artístico y después de decepcionarme con Larry Clark,  me llama la atención positivamente  la exposición de Rafal Milach, 7 rooms.

Rafal M, fotógrafo documental, nacido en Polonia y graduado en la ITF en Opava(República Checa), nos narra la visión de siete jóvenes rusos sobre su propio país, su entorno y sus deseos, en tres ciudades : Moscú, Yekaterinburg y Krasnoyarsk.

Un trabajo realizado durante seis años de viajes y estancias regulares  en las que nos presenta un conjunto de retratos  íntimos de estos jóvenes en los treinta, atrapados entre un duro pasado y un ansia de libertad, viajes y experiencias (que no pueden permitirse), acorde con la mentalidad rusa actual.

7 Rooms, exposición hasta el  22 de Julio 2012 en C/O Berlín.

Libro disponible en la web de Rafal Milach.

Wonder : un paseo por Berlín con Jessica Backhaus

Foam magazine, la publicación trimestral de fotografía contemporánea, ha realizado este vídeo en honor a la fotógrafa alemana Jessica Backhaus.

El vídeo explora el concepto de “wonder” (maravilla) adentrándonos en la obra de la fotógrafa, que nos explica su visión del mundo y forma de trabajar a través de un poético paseo por Berlín.

Wonder, Foam for you.

Ice, nuevo libro de Antoine D’Agata

Antoine D’Agata publica nueva obra, ICE, en la que nos revela su experiencia en Camboya los últimos cinco años.

Una nueva colección de imágenes que no te dejan indiferente. Si bien el trabajo de Antoine D’Agata siempre se caracterizó por un tratamiento “ crudo” de sus vivencias, en este tomo el fotógrafo va mas lejos en su búsqueda incesante, eliminando de forma brutal toda barrera entre sujeto y fotógrafo, entre realidad y ficción (una ficción provocada, o una realidad forzada).

Un trabajo que comenzó en 2007 con el encuentro de Antoine (“A” su avatar en el libro) y Ka, prostituta de origen vietnamita. Tras instalarse con ella en un apartamento en 2008, la historia comienza… ; Una historia oscura de adicción y ausencia, en la que la fotografía se ve superada con creces por la experiencia.

« Ice » cuenta con la colaboración de Rafael Garido en el texto, autor al cual D’Agata ya cedió la palabra en su anterior publicación « Agonie ».

Sin duda, el trabajo mas violento y desestabilizante que haya visto de D’Agata, que desafía una vez más nuestra percepción del mundo, y  de las reglas sociales impuestas, denunciando de esta forma la violencia y horrores de un sistema hipócrita, y ofreciendo así una voz a aquellos que se ven privados de ella.

Una historia de amor y adicción. Un descenso a los abismos del alma humana.

Analizando la dirección que toman sus ultimas publicaciones, cada vez mas íntimas y oscuras, sea lo que fuere aquello que A. busca, no debe de estar muy lejos, ya que, cuando el descenso llega a su fin, no hay más descenso posible; como el propio autor nos afirma en Le désir du monde, se « dirige directo y sin frenos hacia un muro ».

Este libro precede a su próxima publicación, un libro completo sobre toda su trayectoria, que dotará de sentido y coherencia a todo su trabajo, dando prioridad al valor documental que merece, como el mismo autor nos comentaba en la anterior entrevista (ver artículo « tres días con Antoine D’Agata »).

Un encuentro con D’Agata para la presentación y firma de Ice está planeado en :

12 junio 2012 – 19h : Images En Manœuvres, Marsella

21 junio 2012 – 18h30 : Le BAL, París

6 julio 2012 : Hotel Arlaten, Arles (en el marco de los encuentros  Olympus).

ICE, ANTOINE D’AGATA (IMAGES EN MANOEUVRES ÉDITIONS
).

El “grito silencioso” de Luca Pagliari

Hikikomori : definido por el Ministerio de Salud, Trabajo y Bienestar japonés como el “ hecho de negarse un individuo a salir físicamente de la casa de sus padres y, por consiguiente, su alejamiento de la sociedad a través de un encierro voluntario por un periodo superior a seis meses “.

Miles de jóvenes japoneses entre 14 y 35 años sufren de este síndrome de aislamiento extremo, provocado por el peso de una sociedad en la que lo políticamente correcto es no mostrar sus emociones y aparentar buena “fachada” ; una sociedad muy competitiva desde la selección para entrar al parvulario hasta el acceso a la universidad o primeros puestos de trabajo. Una situación que ensombrece cada vez mas el futuro de esta juventud japonesa que ve frustradas sus esperanzas.

Japón es el país mas afectado por este “ aislamiento social agudo”. A falta de estudios científicos y estadísticas fiables, el Gobierno y los medios coinciden en señalar el hikikomori como un comportamiento exclusivamente masculino (ya que un hombre que se retrae de esta forma y se recluye podría considerarse un fracaso social, un renegado, mientras que en la mujer este fenómeno puede considerarse casi “normal”, es decir, lo que la sociedad espera de ellas).

Luca Pagliari ha invertido cuatro años para la realización de este proyecto. Declara sentirse atraído por la cultura japonesa desde su adolescencia; una atracción misteriosa que le lleva a realizar largos viajes y estancias prolongadas en Japón, al cabo de los cuales se le presenta como evidente hablar de este fenómeno de retraimiento social que tanto afecta al país. Un fenómeno en la sombra, y sin embargo muy real.

Para la serie de retratos, el fotógrafo llamó a colaboración vía internet, y gracias a las infinitas comunidades virtuales que existen en la red, a personas que estuvieran viviendo o hayan vivido en este estado de aislamiento extremo. Contradiciendo las estadísticas e informaciones oficiales, que señalan el hikikomori como mayoritariamente masculino, las personas que contactaron con Luca Pagliari para contar su historia fueron en su gran mayoría mujeres, siendo para casi todas ellas la primera vez que hablaban de ello con alguien.

Una visión personal de esta realidad, compuesta de retratos viscerales y acompañados de paisajes urbanos, naturales y « still life » que ayudan a crear un ambiente psicológico que nos permite proyectarnos en el mundo oscuro y silencioso de los hikikomori.

La exposición consta de una serie de imágenes tomadas entre 2005 y 2009, junto con la proyección de una serie de vídeos más recientes; vídeos que funcionan como fotografías extendidas en el tiempo, y que se añaden como relatos breves e independientes pero conceptualmente comunicados entre si, recreando de esta forma el estado interior de soledad de estas personas.

« Merece la pena subrayar que, con estos vídeos, lo que está en cuestión ya no es la soledad “japonesa”, sino que, aunque Japón sea el telón de fondo de la representación, lo que se contempla es una soledad, un retraimiento, un sufrimiento mucho más universal, el que cualquier persona, de cualquier cultura, sexo, etnia, clase social y edad puede sentir, por breve o largos períodos, en su vida ».

Una nueva obra maestra en el trabajo de Luca Pagliari, que nos habla una vez mas y con maestría de la soledad como condición última y primaria del ser humano.

Podéis leer el articulo completo escrito por el propio autor y con una selección de las imágenes del trabajo en el magazine de la vanguardia digital.

Su pagina web esta actualmente reestructurándose, pero podéis ver mas trabajos de Luca Pagliari en este link.

« Silent Cry » exposición de fotografía y vídeo. Centre Cultural La Casa Elizalde, Barcelona. Exposición hasta el 1 de junio de 2012.

Vuelta a la infancia con Thekla Ehling

Thekla Ehling (Alemania, 1968) colabora gracias a su recientes libros publicados “Sommerherz”(Summerheart) y “Vergiszmeinnich”(forget-me-not) a romper el aura fría que envuelve la fotografía contemporánea alemana.

La fotógrafa centra su mirada en su entorno más íntimo : su familia y amigos. Nos habla, a través de sus propios hijos, de la infancia : la de ellos, y la nuestra. La infancia, una época perfecta donde todo era juego y seguridad, o al menos eso es lo que recordamos con el paso de los años.

Thekla nos ofrece una mirada melancólica y poética. Sus fotos me hacen pensar a  Shally Mann y sus fotografías de familia, incluyendo sus hijos desnudos, que alguna que otra polémica causaron en su día. ¿Causan dichos retratos cierto rechazo por el hecho de mostrarse desnudos o por le hecho de mostrar una visión triste y nostálgica, no tan “feliz” de la infancia ?

En su reciente libro Vergiswmeinnicht (título que hace referencia a una flor llamada “no me olvides”) la fotógrafa realiza un homenaje a su mentor Arno Fischer y si libro The Garden, recreando la maqueta y estructura de éste, incluyendo texto a mano entre las imágenes.

Ambos libros de Thekla Ehling publicados en KHERER.

Los árboles de Robert Voit

Robert Voit (Alemania 1969) nos presenta una serie de árboles algo peculiares en su serie « New Trees » realizada entre 2003 y 2011 en varios países alrededor del mundo. De hecho se trata de antenas instaladas por grandes compañías telefónicas, camufladas de forma que se integran en el medio urbano o natural que las rodea. Ya sea por la legislación vigente en cada país respecto a la instalación de estas antenas, o para evitar agresiones a éstas, el camuflaje a veces sorprende por su realismo, aunque el resultado a veces es algo extraño.

Robert Voit, cuyos estudios de fotografía los realizó con el archiconocido fotógrafo de la Escuela de Düsseldorf Thomas Ruff en la Academy of Fine Arts en Múnich, me confesó personalmente que « alguna compañía importante de telefonía lo había contactado para utilizar su proyecto como campaña publicitaría » a lo cual él se negó ; ¡Afortunadamente, aún quedan artistas comprometidos ! Hubiera sido una pena ver sus imágenes con el logotipo de alguna de esas empresas mastodontes, de las cuales, tristemente nos hacemos dependientes en la vida moderna.

« Bueno, todos utilizamos los teléfonos móviles, todos tenemos uno en el bolsillo. Yo los odio y los amo a la vez , ¡algunos estan realmente bien hechos ! Como esos cactus-antena en Arizona, si tuviera un jardin, me gustaria tener uno de esos… »

New Trees está publicado en Steidl y ha sido expuesto en the Amador Gallery, New York y Paris Photo, entre otros reconocidos lugares.

Let’s sit down before we go

Bertien van Manen (Países Bajos, 1942) ha dedicado toda su trayectoria fotográfica a retratar lo cotidiano desde la intimidad.

Empezó su carrera en moda, pero atraída por el universo de Nan Goldin y Robert Frank decidió orientarse hacia un trabajo más personal.

En su primera publicación, “A hundred summers, a hundred winters” (1994) Bertien recorre la Unión Soviética durante tres años fotografiando momentos del día a día con su cámara automática no profesional, desarrollando un estilo amateur que le permite una mirada más íntima de sus personajes : “Viajar por Rusia en aquella época con Nikon o Leicas caras era buscarse problemas. Mis cámaras son consideradas como juguetes inofensivos, y de ésta forma me consideran como una amiga turista que le gusta hacer fotos”.

En su segunda publicación, “East wind, west wind” nos ofrece su visión de China, cuya cultura está centrada en el concepto de unidad familiar impenetrable, y de nuevo nos sorprende la intimidad, cercanía y empatía con la que nos transmite su experiencia.

En su penúltimo libro, “Give me your picture” Bertien recorre Europa y realiza todo un trabajo íntimo y documental sobre el lugar que nuestras fotos de familia ocupan en nuestros vidas y hogares. Un trabajo sobre el lugar que cada uno concede a su memoria.

“Let’s sit down before we go” (en referencia a una vieja costumbre rusa de sentarse a charlar un rato antes de un largo viaje, reflexionando de qué harán y por qué), está constituido por imágenes realizadas entre 1991 y 2009 en Rusia, Moldavia, Kazastan, Uzbekistan, Ucrania, Tatarstan y Georgia. Editado por  Stephen Gill.

Un nuevo “álbum” de fotografías, como a Bertien le gusta definir sus libros, como auténticos álbumes de familia, llenos de momentos íntimos, sin dramatismo alguno, sin juzgar, pero con complicidad.

“Let’s sit down before we go”(2011,  Mack Books)